Le Large
Jul
4
to Aug 28

Le Large

Commissaires: Sarah-Ève Tousignant et Kaysie Hawke

Témoignant à la fois du désir d’évasion et des incertitudes liées à l’exil, le large imprègne l’imaginaire collectif de ses nombreuses acceptions. Que ce terme se soit cristallisé dans des expressions familières telles que « prendre le large » ou « au sens large » atteste de l’ubiquité et de la fascination qui lui sont rattachées. Tantôt mesure qui excède la « norme », qui dépasse et déborde, le large peut revêtir une connotation péjorative et renforcer les stigmas systémiques associés au corps. Pourtant, lorsqu’on parle de largesses, on parle de générosité, de désinvolture, d’une prédisposition à donner de façon abondante, une quantité importante mais non définie. Si ces interprétations socioculturelles du large font de ce dernier un repère fluctuant, il en est tout autrement dans le domaine maritime où le large renvoie de manière concrète à une étendue d’eau déterminée. Dans le vocabulaire de la navigation où le large s’oppose aux eaux côtières, la haute mer constitue un bien public mondial accessible à tous les États. Le large comporte ainsi une dimension géopolitique lorsqu’on parle du territoire, des eaux internationales et du droit de la mer. Les artistes sont invité.e.s à soumettre des projets qui répondent ou réfléchissent aux problématiques soulevées par le thème du large.

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Marie-Claude Lacroix
Feb
28
to Apr 3

Marie-Claude Lacroix

Those Opposite Pressures

www.mclacroix.com

C.V.

Bio :

Marie-Claude Lacroix est une artiste visuelle qui vit et travaille à Montréal. Elle est détentrice d’un baccalauréat avec mention en beaux-arts de l’Université Concordia. Cette peintre présente à la Galerie AVE sa première exposition solo.

Le travail de Marie-Claude Lacroix traduit une fascination pour la construction ainsi que la fragmentation des images, l’idée du cadre éclaté étant une trame omniprésente à ses œuvres picturales. À travers une approche contemporaine de la nature morte, l’artiste développe une recherche qui, bien ancrée dans une tradition picturale, explore la notion d’espace et interroge la fonction de l’image — plus spécifiquement, la promesse de sa résolution. Ce désir de représenter visuellement et tout en nuances les différentes dimensions de matérialité mène à un processus de création qui accumule les différents médiums à travers plusieurs étapes. Ces peintures résultent d’une méthodologie systématique. Tout d’abord, l’artiste construit des assemblages qui seront ensuite mis en scène dans des maquettes de dimensions réduites. Le choix des objets et leur disposition dans la micro-installation sont dictés par une intuition esthétique. Cette partie du processus est ludique et se rapproche de l’improvisation; l’artiste se laisse guider par les matériaux choisis, par leurs caractéristiques physiques, par ce qu’ils évoquent en relation les uns aux autres. Des maquettes éphémères construites à partir d’une matérialité d’une grande banalité; verre, miroirs, objets contondants, papiers colorés, cartons, différents ruban adhésif. Ces éléments rappellent les outils d’un studio d’artiste, sur un mode auto-référentiel. Les compositions scénographiées qui en résultent sont ainsi photographiées, dans une grande variété d’angle et d’éclairage, multipliant les possibilités plastiques. L’intérêt à ce stade est essentiellement pictural, la maquette est détruite. L’artiste s’intéresse profondément à l’idée du détail, choisissant le cloisonnement et l’agrandissement de plan comme manière de travailler la composition. L’aboutissement de ce procédé mène à une image finale, qui sera la seule référence lors de la confection du tableau. Cette étape est essentielle, elle confère une vulnérabilité à cette représentation. Ce cliché devient alors l’unique vestige de cette réalité précaire.

Les étapes préparatoires mène l’artiste à vouloir utiliser un langage visuel plus organique et une gestuelle libérée lorsqu’elle peint. À travers un lent processus d’explorations formelles et chromatiques, les couches de peinture s’accumulent pour former un espace énigmatique. Cette superposition produit une certaine étrangeté, évoquant des environnements incongrus et instables. En adoptant un mode de représentation qui oscille entre une abstraction et un certain réalisme, l’artiste explore la potentialité évocatrice de l’espace construit. Ainsi, au-delà de ces choix formels se cache le désir d’aborder l’absence, le manque, dans une ambiguïté intimiste.

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Alex Coma
Jan
24
to Feb 20

Alex Coma

The Space Within

http://www.alexcoma.world/

C.V.

Instagram


Le titre « The space within » fait référence à cet endroit sombre à l’intérieur de nous qui abrite nos peurs et nos secrets les plus profonds et qui reste, pour la majorité d’entre nous, un territoire inconnu tel l’espace galactique. Par l’entremise du symbole de la fusée présent dans plusieurs œuvres, Alex Coma encourage les gens à aller à la conquête de leur propre inconscient qui détermine en grande partie leur identité. 

À l’aide d’outils tels que l’étude de ses rêves, la lecture du Tarot, la pratique de la méditation et autres rituels, Alex Coma visite son inconscient dans le but de mieux comprendre l’essence de qui il est. Il illustre dans l’exposition « The space within » la façon dont il a procédé par l’entremise d’une performance sur vidéo qui montre la désidentification avec l’ego, d’une installation de miroirs qui invite à l’introspection, de photos et de peintures du mystique lac Atitlan où l’énergie nous permet un meilleur accès à notre inconscient, et d’une murale sculpturale représentant l’univers et créée à l’aide de la géométrie sacrée; chacun représentant une différente facette ou phase de ce processus.

À l’ère où l’exploration de l’espace est de plus en plus convoitée et où il semble urgent de trouver une planète alternative, Alex Coma nous rappelle l’importance d’explorer l’Espace qui se situe à l’intérieur de nous-mêmes, où plusieurs réponses sont déjà disponibles.

“The Space Within” refers to this dark and undiscovered place that lies deep within us encapsulating our deepest fears and secrets, and which for most of us stays uncharted, much like Space as we know it today. With the use of the symbol of a spacecraft, present in many works of this series, Alex Coma encourages viewers to go on the inward conquest of their unconscious mind, looking for clues to find out the essence of who they truly are.

With the help of tools such as the study of his dreams, tarot sessions, the practice of daily meditation and other rituals, Alex Coma visits his unconscious mind with the goal of defining the essence of who he is. The exhibition, “The Space Within”, illustrates how he went about his journey through a video performance showing a ritual about de-identification with the ego, an installation of mirrors inviting introspection, photos originating from the mystical lake Atitlan, a place where the energy aids in having access to our subconscious mind, and a sculptural mural symbolizing the universe with the help of sacred geometry; all these representing a different facet or step in his process.

In the era where space exploration is more and more coveted and when it seems urgent to find an alternative planet, Alex Coma reminds us of the importance of exploring the Space within us, where many answers are already awaiting to be found.

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Exposition de Group.e Exhibition
Dec
6
to Jan 16

Exposition de Group.e Exhibition

Le transcendental dans l'art 

« An artist standing before a blank canvas puts up his brush, no one – not even himself – can know ahead of time what the result will be. »  - Henri Bergson

Transcender, c’est passer à quelque chose d’autre. C’est arriver à un contact avec l’inconnu, assumant l’incertitude du fait que ce qu’on ne connait pas n’est pas forcément inexistant. La transcendance est ce qui ne peut pas être réduit à la pure matérialité des choses en elles-mêmes ; il s’agit du sens métaphysique de ce qui n’est pas visible, tout en demeurant présent.

Transposée dans l’art, la transcendance se reflète dans l’artiste qui essaie l’impossible. Le créateur et la créatrice qui veulent aller plus loin, qui tentent de comprendre et de traduire ce qui existe au-delà du palpable. L’art transcendant ne sait pas où il est capable d’arriver, mais se lance sans frein vers l’inexploité. Ce processus d’exploration s’ouvre aux potentiels déroulements qui ne se connaissent pas en amont, mais qui se dévoilent au fur et à mesure qu’ils se produisent.

La transcendance se manifeste ainsi dans chaque partie de la création, dans le propre processus de la quête vers le visible au-delà du visible. 

Marie Chloé Duval – Catherine Boisvenue – Marc Knowles – Camille Lacasse – Sébastien Gaudette – Ariane Fairlie – Maude Thibault Morin – Ann Karine Bourdeau Leduc – Marilyne Bissonnette – Florence-Ariel Tremblay

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